The Artist

Probablemente es una película que no habría visto jamás de no ser por todo el hype creado alrededor de ella. ¿Una película en blanco y negro? ¿y muda? AH NO QUE LATA! Pero si se ha ganado todos los premios a los que ha postulado, algo debe tener. Asi que decidí verla, por último para poder unirme a Salfate y argumentar alguna conspiración maliciosa ultra paranoica. Pero me fascinó. Me conquistó desde el primer cuadro: You had me at .... (nada po, si es muda).

El Artista es la otra cara de la moneda de El Arbol de la Vida. Su doble opuesto. Ambas se sustentan en lo que los gringos llaman "the coming of age" o la pérdida de la inocencia, solo que ésta -a diferencia de la de Malick- lo hace desde la inocencia misma, desde el que se quedó atrás. Y ese es su mayor mérito, se siente inocente, se respira inocencia. El humor es un humor tierno, como el de Chaplin, como el de Keaton, que se aleja de lo que actualmente vemos en pantalla y nos transmite una profunda nostalgia por ese pasado del que casi ninguno de nosotros fue parte, pero que nos parece mejor o -al menos- mas lindo. "Awwww... cuando Hollywood no era solo dinero", nos engañamos a nosotros mismos.

Lei a Fuguet destruirla por ser una serie de sketchs sin gracia y a otros tantos de catalogarla como una copia. Error. Que utilice los mismos códigos de las películas a las que hace referencia la convierte en un tributo. Tributo que también rindió Scorsese al cine de Georges Méliés con Hugo, sin que nadie lo basureara. Un homenaje a los padres fundadores. Un tributo bastante jugado: si alguien me viniera a ofrecer producir una película muda y en blanco y negro creo que me reiría en su cara (sobre todo porque no produzco películas ni tengo un peso para invertir en cine). Pero apostaron, la hicieron y funcionó, y es por eso que desde mi punto de vista se merece todos los premios que ha cosechado, porque lograron convertir un anticonvencionalismo en algo mainstream y al mismo tiempo under.

Quizás lo más impresionante de la película es que simplemente logra que te olvides que estás viendo una película muda y te entregas a la magia del cine a manos de increíbles interpretaciones a cargo de Jean Dujardin y Berenice Bejo. Hace tiempo que no escuchaba al publico aplaudir una cinta al momento que aparece un THE END en pantalla. Probablemente la audiencia estaba tan sorprendida como yo que les haya gustado tanto una película a la que los metieron a la fuerza a la sala por compromiso.

the TREE of LIFE

Hay películas que cuentan historias y otras que transmiten emociones. También hay de las dos. Pero me parece que cuando se aíslan las variables el efecto es mas intenso. Aquí no hay historia. Casi. Hay reflexión. Hay dudas sin respuesta. Hay sentimiento crudo, sin digestión. Suena ultra chapucero pero me parece que es poesía a través de imágenes en movimiento. No se si la entendí. No se si había algo que entender. Pero me transmitió ideas, mensajes, emociones... cosas. Alguna vez escuche que a las mujeres no hay que entenderlas para amarlas, con esta peli me pasa lo mismo. La ame.

Lei que el director de fotografía (que si no se lleva el Oscar hay que cuestionarselo todo) dijo que la fotografía estaba pensada para gatillar toneladas de memorias, como una esencia o un perfume. Y lo logra. Muchas de las secuencias están cargadas de nostalgia.

Ignoro a que apuntaba Malick, pero a mi me hizo pensar sobre la búsqueda de sentido, del gran por qué. Más bien: del para qué. De la inmensidad y al mismo tiempo nuestra pequeñez. De "inventarnos" un ser superior que le de significado a los eventos más difíciles de asimilar. La muerte. La muerte de un hijo. De un hermano. Un ser superior que no responde a nuestros susurros y al que justificamos para facilitar su existencia. Queremos que sea, que exista. Sino nada tiene sentido.

La secuencia inicial es alucinante: la "creación" de una serie de eventos que terminó por escupir una raza de individuos perdidos por el mundo, sin la menor idea de que hacer, de como criar a sus hijos, de como vivir en pareja, de cómo amar, cómo odiar. Incapaces de explicarse a sí mismos. Me parece una ironía del director hablar de dios al tiempo que las imágenes nos muestran la evolución del mundo, la división del cielo y a tierra, la aparición de los primeros seres unicelulares, los dinosaurios, el hombre. Darwin. Ese Darwin tan condenado por la iglesia y desaprobado por casi todas las religiones.

Después de todos esos factores externos está nuestra propia autoexpulsión del paraíso, la pérdida de la inocencia. Ese antes y después de comer la manzana. De recoger el fruto del Arbol de la Vida. Ese niño que ahora es capaz de amarrar una rana a un cohete y hacerlo explotar en el cielo. Ese niño que desafía al padre y culpa a la madre. Que quiere matar, pero al mismo tiempo se desangra por querer volver. Pero esa es una puerta que, una vez cruzada, desaparece. Puertas. La primera puerta es la que atravesamos al nacer (en una imagen alucinante de un niño nadando, emergiendo, a través de un marco de una casa volteada), la última la que cruzamos al morir. Y entre medio tantas puertas mas. Algunas que no tenemos que atravesar, sino dejar ser atravesadas. Desprendernos.

El niño se reconoce en su padre. Y en su madre. Fuerzas internas que se contraponen, porque no hay pura maldad ni pura bondad. Hay instintos (o naturaleza como le puso Malick) y hay cultura (o gracia), las dos fuerzas que en un tira y afloja que dictaminan finalmente quienes somos y que según Freud nos imposibilitan la felicidad.

De todo esto se "trata" la película. O quizás de nada de esto. Como dije, la ame, pero no estoy tratando de entenderla, sino de sentirla.

Velodromo - review

Me dijeron que Velodromo era una pelicula de un tipo (Pablo Cerda) con miedo al compromiso, incapaz de generar relaciones profundas y entregarse por entero, amante del cine, o mas bien de las peliculas, ya que solo las ve -aunque en forma casi enfermiza- por computador. Compré. Esta peli se trata de mi: must see.

Peeero... lo que pudo haber sido un reflejo casi existencial del cuestionamiento de las relaciones interpersonales (y algo asi como nuestro proposito en el mundo) a traves de un personaje real y lleno de tribulaciones, se transformó en un relato simplista de otro "perdido" del mundo de Fuguet... la version 3.0 del personaje que comenzó Pancho Lopez en "Un Lugar de la Noche" y luego reforzó Cruz Coke con mucho mas éxito en "Se Arrienda".

En Velodromo, Ariel -nuestro protagonista- parece estar lleno de trancas que no le permiten crecer y enfrentar una relacion "madura" con la vida: pareja, trabajo, amigos. Pero en verdad resulta que el personaje de Pablo Cerda no parece haber sufrido algun acontecimiento invalidante, es simplemente básico. Del tipo de personas de las que uno se refiere como "puta el weon basico".

El universo creado alrededor de él lo tilda de autista como si fuera un eufemismo, pero en verdad Ariel ES autista. Vive en su propio mundo, con sus propias reglas, donde la deseabilidad social no es un factor relevante y decir "la verdad" sin filtros es la norma. Esa verdad es lo que lo aliena de la sociedad que se esfuerza por acogerlo inexplicablemente... porque lo que en verdad quiere Ariel es simplemente pedalear, y ojala en un lugar circular que no lo lleve a ningun lado, porque no quiere avanzar: quiere partir y llegar donde mismo. Un velodromo.

Y todo eso esta bien, pero me da la impresion que Fuguet no buscaba eso, sino que intento engendar un personaje complejo, profundo y trancado, y parió a Ariel Roth: un weon basico, poco empatizable que extrañamente logra seducir, sin ninguna justificacion, a las 2 actrices mas lindas de Chile: Francisca Lewin y Lucy Cominetti, cuyos personajes nutren tanto la pantalla que se les extraña cuando vemos reiteradamente a Pablo Cerda dar y dar vueltas x el Santiago clasico de Fuguet, donde la gente almuerza sola en las cadenas de fast food y mira sin ver desde la ventana de la micro.

Going the Distance - review

No soy experto en la materia, pero me parece que las comedias romanticas deben -al menos- cumplir con algunos de estos principios: 1) tener una protagonista de la que uno se enamore perdidamente y quiera toparsela en la vida real, sabiendo que minas asi no existen y luego podamos culpar al cine por crearnos fantasias irreales que nos perjudican nuestras relaciones 2) empatizar con el protagonista a tal grado que uno le permita besar a esa mina idilica 3) creer que esa relacion pueda existir y que haya quimica entre ambos 4) que te importe si terminan o si se quedan juntos 5) un inteligente, simpatico, tierno o ingenioso "meet cute" (escenario en el que 2 individuos son juntados en una forma improbable, divertida y destinados a enamorarse para siempre).

Pero "Going the Distance" no tiene una protagonista adorable, a pesar de que Drew Barrymore si tiene el potencial de serlo, como lo fue en 50 First Dates; el personaje de Justin Long es insulzo y con poca magia; a pesar de ser pareja en la vida real se les ve poca química en pantalla, producto de lo cual el resultado de la travesía juntos es poco relevante, ya que uno no alcanza a compenetrarse en la historia de amor ni a sentirse parte de ella, quizas porque el "meet cute" que dio el inicio a la historia no tuvo nada de magico, ingenioso o incluso romantico.

Y es que si una peli no tiene todo eso, lo demas se vuelve cursi, actuado y... fome.

Garret (Long) es un tipo que no logra involucrarse profundamente con nadie, hasta que conoce a Erin (Barrymore) interrumpiendole un juego de video en un bar y encuentra asi a su media naranja, esa persona que logrará que el buen Garret se entregue por completo; pero, oh maldito destino, deberá verla partir al otro lado de EEUU en 6 semanas... ergo el titulo de la película: Justin deberá enfrentar las dificultades de tener a su enamorada en otro huso horario y un avion de distancia. Thats it... la falta de contenido le traspasa todo el peso dramatico a sus protagonistas, pero como no hay quimica ni grandes escenas, la peli se hace inerte y a ratos queda a la deriva.

Lineas como "I got a tip for you" seguida de "the tip of your penis?" al momento del reencuentro, despues de meses sin verse, claramente no empujan la aguja en la direccion del romanticismo... directamente no la empujan a ningun lado: el problema de la pareja parece tener mas relacion con el precio del pasaje aereo que con el dolor de la distancia.

Inception - review

Wow. Primero que nada... wow. Hace tiempo que no aparecia un pantalla una pel "inteligente". Y no lo digo interpelando al resto de las cintas en carteleras como tontas, para nada; solo que -en mi clasificacion cinematografica- existen 2 tipos de películas (aplicables a casi cualquier genero): las pelis inteligentes y las pelis emotivas.

Inception es de la escasa primera categoría.

Ésta categoria practicamente sustenta la narrativa en la dinamica logica en lugar de las emociones, lo que no necesariamente es mejor o peor... pero definitivamente es distinto. Juega a apelar a la cabeza y estimularla, sin ser hermetica ni incomprensible, lo que genera un efecto de droga mental. Un iDoze. Es el cine de Aronofsky, de Kaufman y -claro- de Nolan. Y por eso es adictivo.

Seria absurdo pensar que no hay emociones, las hay! pero son secundarias: el juego entre director y espectador es un duelo de quien toma la delantera... y aun cuando el espectador pueda hacerse una idea de para donde nos esta llevando (en este caso) Nolan, no tiene importancia ya que si la pelicula/el guion esta suficientemente bien armado, la logica "cuaja" de tal manera que satisface. Cierra. A diferencia de un thriller de suspenso donde hay que descubrir al asesino, aqui tenemos que jugar a sumar, restar, dividir y multiplicar. Si llegamos al mismo resultado independiente del orden, esta todo bien.

Basicamente la historia trata de un grupo de expertos en meterse a los sueños ajenos para robarles información de valor (cientificamente, no en la onda de Freddy Krueger) que son principalmente contratados por corporaciones para espiar a su competencia. DiCaprio es el mejor de todos... pero de tanto entrar a sueños ajenos / y en su defecto al sueño del sueño ajeno, pierde su propia nocion de realidad.

En terminos generales, no es más complejo que eso, pero como todo mundo de ciencia ficcion, este tiene sus reglas... que terminan haciendo click en sincronía. Y son esas reglas y esos detalles lo que "hacen" la peli: un minuto real son 10 minutos en el sueño (y 10 minutos en el sueño son 10 horas en el subsueño... y... se entiende); la unica manera de despertar es muriendo o a través de la sensacion de caer al vacio; y asi... reglas que tienen ancla en situaciones que todos hemos vivido. O soñado.

Cristopher Nolan tenia este proyecto durmiendo hace mas de 10 años, cuando todavía no existían películas como Matrix o El Piso 13 que comenzaron a popularizar las realidades paralelas y los submundos dentro de los mundos. De hecho, la existencia de estas películas -sobre todo la segunda- nos da el guiño para entender a priori, y quizas mucho antes de lo esperado, que todo lo que estamos viendo puede no ser real. ¿Mata eso la magia? ¿Volver al Futuro mató a Terminator? La habilidad del director está en usar esos antecedentes para no tener que explicar cosas que ya en el 2010 probablemente se puedan entender con mayor facilidad que hace 10 años.

Dicho todo lo anterior... me parece una exageracion el buzz alrededor de lo "enredada" que pueda llegar a ser la película. Es laberíntica y compleja, pero en ningun caso hay que ser un "rocket scientist" para entenderla. Y si eres de las personas que "no van al cine a pensar" o no entendiste nada en Memento, mejor optar por otra alternativa, idealmente de la categoría de pelis emocionales, que de momento inundan la cartelera.

Puta la pelicula buena.

Revolutionary Road - review

Quizas la traducción "Solo un Sueño" sea un poco más explicita que su título original, al referirse al nihilismo que viven los Wheelers, la pareja protagonista, quienes luego de haber conseguido prontamente el sueño americano (2 hijos, 1 auto, casa en los suburbios, trabajo en la ciudad, martinis por la tarde) se dan cuenta que ESE no era realmente SU sueño. Y quieren más. No, no más: otra cosa, algo con sentido que llene ese vacío existencial que viene luego de alcanzar una meta autoimpuesta y a la vez motivada por lo que la sociedad ha establecido como ideal, a través del cine y la publicidad, pero que a fin de cuentas se siente de plástico... porque una cosa es armar la casa perfecta, con los muebles perfectos; otra, habitarla y hacer que funcione siguiendo esa hipocrita perfección, ya que una vez dentro viene imparable el "¿y ahora que?".

Para los que hacemos listas es ponerle un tick y pasar al siguiente item... ¿pero si no hay otro item? Es como cuando construiamos figuras con plasticina: una vez armadas hasta el último detalle solo quedaba desarmarlas y hacer una nueva... y asi, hasta que ya no tenia sentido (ni gracia) volver a moldearla.

En el caso de los Wheeler era mandarlo todo a la mierda y volver a moldear sus vidas de plasticina en Paris. Algo que comenzó como un sueño, pero que para April (Kate Winslet) se transformó en una fijación y última esperanza para "volver a entrar" al juego. Aunque sus motivaciones parecían muy altruistas -estaba dispuesta a ser la proveedora de la familia para que su esposo Frank (Leonardo DiCaprio) pudiera hacer lo que le hiciera feliz- sus intenciones siempre estuvieron centradas en ella misma y su unica alternativa de escape a la aburrida vida de suburbios plagada de estereotipos; pero Frank ya había caido rendido en la trampa del capitalismo: la balanza inclinada hacia el amor por el dinero vs el odio por la infelicidad de un trabajo sin sentido.

Pensaba que este vacío existencial era más bien un tópico moderno, pero la película no sólo esta ambientada en los años 50', sino que estaba basada en la novela homonima que Richard Yates escribiera a principios de los 60'. Asi que el tema de la búsqueda de sentido no es propietario de nuestra generación.

En fin: intensa película, buenas actuaciones de la dupla Titanic, magistral dirección (por fin!) de Sam Mendes que con esta peli hizo parecer la desesperanza de American Beauty un poco mas esperanzadora.

John Rambo - review

Fui a la casa de mis padres listo para una velada de testosterona: madre y hermanas expulsadas al mall, hermano y padre dispuestos para reencontrarnos con un viejo amigo de la infancia. John Rambo, en DVD. Pequeño gesto de saludo con la ceja. Receiver al maximo. Play. Pausa: "voy al baño"... mi viejo ya es tercera edad. Play. Comienza un despliegue de imagenes de matanzas en Birmania, "la guerra civil más larga de la historia", sucedida por crédito a pantalla completa: JOHN RAMBO. A buen entendedor: lo que acabamos de ver, esa cagada de años, la va a arreglar este tipo. Risas. Me doy cuenta que ya no tengo 12 años y que no compro que Stallone se pueda echar a un ejercito completo. Se lo digo a mi hermano. Me pone un colocado en el hombro y me calla. Tiene razon.

Vemos a Rambo cazando cobras para apuestas ilegales. Me llama la atención como no había notado antes la cara de deficiencia mental del protagonista. Al parecer, cuando estamos encantados con alguien le perdonamos todo. Pero cada palabra que pronuncia confirma más la teoría. Lo sé, estoy viendo Rambo, body count al máximo, no es momento de cuestionar nada, sometete a la experiencia. Sin embargo, no logro evitar pensar que esta película es la evidencia empírica de la crisis de los 60 de Stallone: algunos viejos con plata se compran un Porsche para sentirse más jóvenes, el se mete al ring a boxear y/o destruye aldeas de birmanos genocidas. No muchos le compran su crisis, por lo que debe hacerse un lugar detrás de las cámaras y dirigirlas el mismo.

Finalmente logro meterme en la película, muy a pesar de frases como: "Live for nothing, or die for something". Recuerdo los "uhhhh" de niño cuando el viejo John cicatrizaba sus heridas con polvora. Aplico regresión: para sentir la peli hay que volver a ser niño. Lo soy. Por algun argumento irrelevante Rambo se da cuenta que no puede escaparse de lo que realmente es: una maquina de guerra, y vuelve a su safe place. Al chancho. Segun IMDB hay 2,59 muertos por minuto, la entrega del personaje con más chinos muertos: 236. O sea, Rambo.

No hay razón para decepcionarse. Claramente la historia siempre dio lo mismo, solo necesitabamos una excusa para que el ex boina verde desatara su maquina asesina a punta de arco y flecha, metralletas, bombas, arboles o el arma de destrucción masiva más a mano. La actuación tampoco es un factor relevante... Stallone es Rambo, tanto como Schwarzenegger es Terminator. Lo unico por lo que uno podría alegar es que no hay suficientes momentos Rambo. Hay demasiadas escenas de Stallone negandose a participar y mirando feo a la gente. Claro, el climax podría ser suficiente para compensar esa carencia, pero le falta que sea más personal, tipo "ahora si que me hicieron enojar". Por eso cuando acaba por matar a medio mundo, se da media vuelta y se va, casi convirtiendose en el momento final de todos los capitulos televisivos de Hulk. Habría sido notable ponerle incluso esa cancioncita al final de Bruce Banner y que hiciera dedo. Pero Rambo no hace dedo, camina.

Into the Wild - review

Maks™ dice:
Vi la película...

Francisco dice:
Y?

Maks™ dice:
Mmm... ta bien... pero... no es la mejor peli.

Francisco dice:
A mi me encantó... muy sencilla y noble, las imagenes preciosas... la historia me gustó... la múscia para que decir... yo rayé

Maks™ dice:
Sí, Eddie Vedder hace maravillas en el soundtrack, pero no logré enganchar con el protagonista. me parecio demasiado... mmm.... idealista, rayando en lo absurdo.

Francisco dice:
ahi está el punto... que yo enganche con el protagonista... además lo que hace el en realidad lo mueve un deseo que yo creo todos quisimos hacer alguna vez: "irse".

Maks™ dice:
si, pero... me parecio que hubo mucho exceso. O sea, finalmente resulta impresionante que sean hechos verídicos. Lo que la asemeja mucho a "Grizzly Man", ese documental sobre Timothy Treadwell, el tipo que se va a Alaska a vivir con los osos y termina siendo devorado por uno. Con la gran diferencia que la mayoría de las opiniones de quienes conocieron a ese tipo lo tildaban de idiota y no de heroe. La historia de Chris (Emile Hirsch) es también al mismo tiempo valiente y estupida. Pero creo que Sean Penn también lo ve asi, y así lo retrata: si bien muestra admiración por un tipo que esta dispuesto llegar hasta allá (Alaska) persiguiendo su sueño y su causa, tampoco lo aleona ocultando sus pifias.

Francisco dice:
Igual todo ese exceso de libertad está argumentado. No sale de la nada. Es producto de la relación con sus padres; ese idealismo nace a raiz de una familia netamente materialista y fría... lo que lo hace viajar es el deso de querer volver a lo natural.... y ese trayecto y la historia que se va tejiendo es muy conmovedora.

Maks™ dice:
Si, pero no compre mucho eso de que el tipo haya sido tan significativo para las pesonas con las que compartia... osea, no vi dialogos trascendentales que ocasionen que lo quisieran adoptar o que les cambie la vida a las personas que conocio en el camino.

Francisco dice:
Hay todo un encaje entre la vida de los personajes y éste mismo. No es el diálogo precismente lo que hace que este tipo sea tan significativo para todos; en algunos caso si, como con el personaje de Vince Vaughn... pero en el caso de la vieja hippie (Catherine Keener) es porque lo vi como su propio hijo que también se marchó... el viejo (Halbrook) estaba solo, y vió en el personaje un tipo sencillo, inteligente, bueno, quiso adoptarlo. Y claro, un poco por desesperación ante una muerte inminente sin descendencia. A lo que voy es que a los personajes les faltaba algo,de su vida, y este tipo de la nada con toda su personalidad suplía esa falta; ahi era cuando significaba mas para los otros.

Maks™ dice:
Ok, pero por donde pasaba iba despertando a la gente que conocía, gente que llevaba años dormida, por lo que cumplió un rol demasiado importante en poco tiempo... y su personalidad no me parecio especialmente despertadora, tipo predicador ambulante. De hecho era un weon hiper perdido y con una visión completamente adolescente de la vida.

Francisco dice:
Es que no es un predicador, ni tampoco ese es su fin: el quería irse, voler a la escencia, a lo natural... algo que muchos ya dan por sentado u olvidado... entonces en base a ese objetivo, lo único que te puede transmitir ese personaje es sinceridad nada más. la película despierta eso...

Maks™ dice:
sinceridad... y estupidez... en el fondo te muestra que el tipo era tan extremista como sus papas, solo que estaba al otro lado de la misma linea.

Francisco dice:
La otra linea es la de sus padres, que fue la que terminaron por expulsarlo. Entonces como no iba intentar por otro lado. Seguir la linea de sus padres lo hubieran llevado a un extremo quizas peor... seguir ese camino para él, hubiera sido una estupidez... de igual modo hubo un momento que quizo volver, pero no pudo y ahi fue donde quedó atrapado.

Maks™ dice:
Claro, ahi esta la paradoja, quedó atrapado de tanta libertad. Si no digo que sea falso o irreal... sólo que me pareció una linda película, con cuyo personaje central no comulgué. En todo caso estuvo bien Penn poniendo la narración en manos de la hermana, porque la perspectiva de Chris es demasiado estrecha como para permitirle presentar la "bigger picture" que sí es capaz de ver Carine. Al final, la lección aprendida que el escribe al último en su diario, no me parece tan trascendetal como para justificar 2 horas de volver a lo natural

Francisco dice:

"La felicidad no tiene valor a menos que tengas a alguien con quien compartirla".

Maks™ dice:

Ok, es una buena lección. Quizas la fuerza del material está además en apuntar con el dedo (quizás en forma demasiado evidente) la ridiculez de una sociedad donde la carrera de la rata es tan preponderante que nos hace perder el foco real de lo que es el verdadero placer vivir.

In The Land of Women - review

No hay malas películas, solo malos días para ver ciertas películas... muchas veces me he enamorado de una cinta que al ser imbuida de las emociones circundantes a ese día particular resulta convertirse en una experiencia completa. O todo lo contrario. Lo que no quiere decir que Deuce Bigalow: European Gigolo tenga salvación alguna. Claro, con lo que se me va a la mierda la teoría: sí, hay malas películas... pero muchas de ellas logran salvarse al ser vistas en el contexto adecuado: "Beuty is in the eye of the beholder".

Habiendo dicho eso, In The Land of Women podría pasar perfectamente desapersibida y entrar al eterno saco de las películas olvidables, pero, quizás embobado por Kirsten Stewart, influido por mi dia y el hecho de que soy un fanático del genero "chick-flick", me pareció el tipo de película simple, honesta y poco pretenciosa que no sólo me gusta ver, sino que me gustaría haber hecho. Esta llena de imperfecciones, pero tiene un buen numero de pequeñas lindas escenas, que aun cuando combinadas no logran formar algo trascendental, son efectivas en su propio tono. Algo así como la alumna menos avezada del curso de Garden State y Elizabethtown.

Seth Cohen (Adam Brody, el maldito que nos robó a Rachel Bilson) es un escritor so-dorky-he's-cool-fashion de Los Angeles que paga el arriendo creando guiones para pornos, pero que al ser dejado por su novia decide aislarse del mundo al tiempo que visita y cuida a su senil abuela en Michigan. Podríamos resumirla como chica abandona a chico - chico se aisla y conoce a mujer (Meg Ryan) - chico conoce a hija de chica (Kirsten Stewart).

Sin embargo, no es una historia de amor, ni con la hija ni con la madre. El afiche miente. La sinopsis miente. El Mercurio miente. Es sobre el chico ofreciendole apoyo a la mujer en un periodo en el que su vida se desmorona y sobre el mismo chico entregando consejos de hermano mayor a la adolescente. En el proceso crece un poco y comienza a superar su propia tragedia personal. Sin dejar de lado lo más fresco de la película: la relación con la abuela. En términos generales, nada grandilocuente ni manipulador: una historia "real" y simple, por muy prostituidos que estén ambos terminos últimamente al momento de calificar películas.

Eso lo más elogiable de la cinta dirigida por el hijo de Lawrence Kasdan (guionista de Indiana Jones y un par de Star Wars no más) que, quizás, por su red de contactos, pudo facilmente haber debutado tras las cámaras con Terminator 4 o algún blockbuster, pero que finalmente optó por poner en práctica lo aprendido escribiendo capítulos de Dawson's Creek, con un personaje central que podría encajar en una mezcla tanto etaria como de tono entre The O.C. y Grey's Anatomy, por mucho que diga en sus entrevistas que esas fueron sus propias "pornos" para pagar la renta.

Eli Stone

Como que el fenomeno de seguir una serie de TV quedó en el pasado: es insoportable esperar una semana para saber como sigue la historia y/o, por otro lado, coordinar para estar el mismo dia a la misma hora en el mismo canal... lo que ha provocado abruptamente que el 50% de los top sellers de Amazon sean temporadas completas de cine en porciones de 30 o 60 minutos para la caja tonta. Sin ningun estudio de por medio, me atrevería a apostar que la venta de DVD se ha convertido en el nuevo gran negocio de los productores de TV, hasta alcanzar los ingresos generados por la exhibición al aire.

Sin embargo... asi como en alguna epoca la radio se transformó en la "amiga" de la dueña de casa, hoy la TV, y específicamente ciertos personajes de la TV, son nuestros hombros de apoyo al momento de llegar a casa. Patetico, lo sé, pero real... sobre todo para quienes vivimos solos. Y es porque hacemos el ejercicio de entrar a la casa y prender la pantalla de turno para ver con quien nos encontramos. No somos seguidores de muchas de esas series... somos amigos. La gran diferencia entre uno y el otro es que no necesitamos con urgencia ver el proximo capítulo, ni nos compraríamos la temporada... nos basta con saber que estan ahi. Y casi hasta por respeto, aunque nos vuelvan a contar algo que ya sabíamos, los dejamos hablar.

Mis amigos habituales son Jerry Seinfeld, Homero Simpson, John J.D. Dorian (Srcubs) y Charlie Harper (Two and a Half Men)... pero se acaba de agregar un nuevo miembro al club: Eli Stone.

Al principio todo parecía indicar que teníamos una versión masculina de Ally McBeal, lo que no solo era poco creativo sino que altamente poco seductor. Pero... no lo es. Tampoco es una serie de abogados. O sea, sí, es un abogado y mayormente la serie relata sus casos, y sí el tipo esta un poco desquiciado y sufre alucinaciones del tipo de la guagua bailarina, pero el tono es otro. Mas cercano. Mas humano.

Eli Stone es un hot shot abogado dentro de una firma de hot shots abogados sin alma que, de pronto, debido a constantes alucinaciones principalmente con la figura de George Michael cantando Faith en el living de su casa, descubre que tiene un aneurisma fatal inoperable, lo que lo hace tener estas "visiones", que irónicamente parecieran ser profecías, o al menos así se lo hace creer su acupunturólogo holístico que lo ayuda (otro gran personaje).

Ok, hasta aqui no pinta bien, pero finalmente lo importante de una serie para mantenerse en el tiempo no es la historia ni el escenario, sino el personaje central y el guion de cada entrega. Y el personaje central, Eli Stone, esta muy bien... Jonny Miller lo carga de una intensidad que lo hace tambalear constantemente entre el drama y la comedia.

Lamentablemente la serie no ha recogido demasiados adeptos, por lo que Eli muy probablemente puede convertirse en otro amigo pasajero que solo tomó por momentos el espacio de Ed Stevens (Thomas Cavanagh de la serie Ed, que curiosamente interpreta al padre de Eli en sus flashbacks). Maybe not... en todo caso, como todos los capítulos son nombrados por canciones del nunca bien ponderado George Michael, al menos tendremos un buen par de temas antes de llegar al "Wake me up before you go-go"...

Acabo de releer todo esto y quiero hacer una aclaracion: no soy gay.

FX

Normalmente los efectos especiales se utilizaban para crear realidades que no existían o mostrar cosas que de otra manera serían imposibles de filmar. Eso era antes. Hoy no. O sea, no solamente: los FX, al menos en Hollywood, son el mejor amigo del bolsillo del productor para recortar presupuesto.

De muestra un botón: David Fincher pobló Zodiac de efectos especiales que, para el ojo común, pasan totalmente desapercibido.

The Contract - review

Uno tendería a pensar que una película con Morgan Freeman y John Cusack debiera ser, al menos, buena. Claro, porque probablemente a actores como ellos les deben llegar cientos de guiones sobre los cuales elegir que oferta tomar. Pero, tal como lo demuestra esta película, a veces se equivocan. O no, y simplemente lo hacen por el dinero. De ahi el nombre de la cinta: El Contrato.

Cada cuadro de la película es un cliche formulístico con todas las claves que deben aparecer en libros del tipo "Thriller for Dummies": hijo se lleva mal con el papa - papa lo lleva de campamento - asesinos sueltos se pierden en el bosque - padre e hijo se lo topan - persecucion por el bosque. El resultado es tan mediocre que incluso en EEUU la cinta pasó directo a DVD sin darle la oportunidad de enfrentar la pantalla grande. Lo que es extraño es que si alla arriba se dieron cuenta de ésto ¿por qué aca abajo la tenemos en todos los multiplex? Se ve que siempre debió haber sido una película directo para la TV (con esto no quiero desvalorizar la calidad de las películas directo-a-la-tv).

Freeman es Frank Carden, un asesino entrenado por el gobierno ahora convertido en exterminador a sueldo, que es arrestado por un policía de poca monta luego de un inconveniente con su auto. Los agentes federales llegan para hacerse cargo y transportarlo a la urbe más cercana, pero antes de que eso ocurra la banda de Carden ataca al convoy y este huye por las montañas... para ser rapidamente recapturado por el policía-ahora-profesor Ray Keene (Cucsack) que justo estaba acampando ahi con su hijo rebelde. Lo que sigue es un paseo por la naturaleza salvaje del estado de Washington, donde Keene trata de hacer lo correcto e impresionar a su hijo apuntando a Carden todo el camino. Todo en piloto automático.

No es casual que, pese a haber dirigido mas de una veintena de películas, el nombre Bruce Beresford no le suene a nadie... aun cuando fue el responsable de Conduciendo a Miss Daisy con el mismísimo Freeman.

Absolutamente saltable.

Das Leben der Anderen (La Vida de los Otros) - review

Clap clap clap... al fin! Ya había pasado demasiado tiempo sin que siguiera pasmado en mi asiento hasta el final de los créditos. "Es que tu eres un snob que sólo te gustó porque es Europea" falso: soy tan agringado como el siguiente y, de hecho, aparte de las películas de Wim Wenders y El Experimento, no resctato mucho la producción alemana (Corre Lola Corre, me pareció infinitamente sobrevalorada). Asi que no, no es la procedencia ni el idioma, es el contenido y la puesta en escena.

La Vida de los Otros es una historia simple y contemplativa, donde la tensión no está dada por los hechos sino por las expresiones; todo sucede en los rostros de los protagonistas: el amor, el miedo, la angustia y la opresión nos son transmitidas en una serie de miradas que aparentemente parecieran no decir nada. Son las emociones contenidas las que convierten a la película en uno de los films más bellos, fascinantes y emotivos que se han visto en los últimos años.

Estamos en 1984 en la RDA: Republica Democrática Alemana (yeah, right!). La paranoia de la policía secreta, o Stasi, los lleva a tener informantes y poner micrófonos en casi todo Berlin en busca de anarquistas que osen desafiar el régimen comunista y, peor aun, hablar mal de ellos en occidente. Todos son sospechosos, incluso los que se burlen de Honnecker a través de chistes. Uno de sus agentes, Wiesler, es encargado de vigilar a una pareja de intelectuales: él un reconocido escritor; ella una afamada actriz. La vida de ambos, observada hasta el más mínimo detalle, irá influyendo de manera radical en el oficial, afectando a su vida y sus ideales drásticamente.

Es facil caricaturizar a un oficial de la stasi como el enemigo. Sin embargo, Wiesler no parece ser un agente robotizado ni movilizado por el odio, la sed de poder o la violencia. Wiesler es un idealista: cree que con su trabajo contribuye a construir una Alemania mejor y que sus medios de coerción y control están totalmente respaldados por este objetivo... Hasta que a través de la vida de otros comienza a encontrarse con una adormecida ausencia en su vida, y vuelve a revisar sus ideales pero esta vez por los ojos de la joven pareja y el sensible mundo del arte.

La película no es tan simplista en la transformación del oficial alemán. Nunca las cosas, los cambios de direccion, pasan por un solo motivo, este tampoco es el caso: no es un factor el que gatilla el cuestionamiento interno de Wiesler, sino que la conjunción de muchos factores lo que finalmente lo llevan a hacer lo correcto aúnque esto sea contrario a todo aquello en lo que creia: el abuso de poder de la clase gobernante, la ambición a cualquier precio de sus superiores, el aprecio por la belleza del "enemigo", una melodía de Beethoven, la silueta de la actriz, la humanidad del escritor.

Pero una película así de sútil no podría funcionar si no contara con actuaciones magistrales, como la que entrega principalmente Ulrich Mühe (Wiesler), que se luce quitándole cualquier sensacion de voyeurismo al espionaje que realiza. Particularmente esa escena en la que escucha como uno de sus vigilados interpreta una pieza de piano. Complementandose perfectamente con sus coprotagonistas, quienes componen personajes con un gran nivel de desarrollo e imperfecciones.

Definitivamente no es una película de gusto masivo, pero a pesar de que la fui a ver con un grupo grande y diverso, entre los que algunos pestañearon, otros la encontraron lenta y un par mas, larga... ninguno se atrevió a decir que fuera mala. Bien por el Oscar a mejor película extranjera, a pesar de la dura competencia con El Laberinto del Fauno, que facilmente se lo pudo haber llevado por el éxito que obtuvo en Estados Unidos.

Como lei en Rolling Stones: "Florian Henckel von Donnersmarck, su nombre es casi un trabalenguas... pero recuerdenlo".

Casa de Remolienda - review

Quizas es porque soy un chico urbano, pero las historias campestres me hacen gracia los primeros 10 minutos y me aburren los otros 110, cuando el efecto "Peiro, uta que hemos caminao po' oiga, hagamos un aguaite en el camino" empieza a parecer monotono. Y me suena sobre todo a chiste repetido si llenamos ese contexto rural con prostitutas, como ya lo hizo alguna vez Caiozzi con Julio Comienza en Julio.

Tal como el nombre lo indica, la historia se centra en un prostíbulo en el que hay un cantante, 3 putas y la dueña, Rebeca, que se entera de la visita de su casta hermana Nicolasa y sus 3 hijos, por lo que decide hacer un montaje tipo Simuladores y venderle a su hna la imagen de que maneja una pensión. Todo se complica cuando las 3 putas ven en los 3 huasos potenciales maridos. Chan chan.

Por muy simple que parezca la historia, el director se las arregla para complicarla, confundirla e interrumpirla con un desfile de personajes secundarios que no aportan más que una pequeña cuota de autoctonía al relato y que a la larga terminan molestando y evitando que la narración central llegue a puerto o que sus protagonistas logren desarrollarse.

Como leí por ahi "...la película, a la larga, parece más preocupada por desnudar a los personajes que por conocerlos..." lo que siempre es bienvenido, pero eso debe ser un valor agregado y no el proposito final. Si hay que elegir, me quedo con las escenas de desnudos de la Diaz de Valdes en Malta con Huevo, sin ser una película mucho más iluminada que ésta.

Little Children - review

Lo pase mal. Lo que no quiere decir -necesariamente- que sea una mala película. Es una película incomoda, como lo fue en su momento Happiness (dirigida por el "otro" Todd), de esas que uno quiere que termine pronto para poder dejar de ver tan de cerca esos pequeños secretos que a simple vista parecen inocuos, pero a la luz del microscopio, o en rigor de una pantalla gigante, se transforman en gigantescos defectos de caracter con consecuencias nefastas.

Y es que hay secretos que nadie quiere que sean revelados, porque terminan revelando la peor parte de nosotros mismos, seres totalmente imperfectos aparentando una vida normal. Con esto no estoy diciendo que seamos asesinos en potencia ni degenerados sexuales, no, solo que todos y cada uno de nosotros tenemos al menos una verdad incomoda que nos negamos publicamente y que, aun en la mayor privacidad de nuestros hogares, no nos permitimos hacerle frente. Puede ser alguna de nuestras obsesiones, preferencias o pensamientos que jamas le permitiríamos a alguien escarbar de nuestros subconcientes. Como dijo -en teoria- un señor hace unos dos mil años: el que este libre de pecados que tire la primera piedra.

Y es eso lo que retrata eficazmente Little Children, en una version cruda de Desperate Housewives: cómo en cada hogar se esconde alguna zona levemente turbia, sin exagerar con personajes demasiado surreales, sino que con personas comunes que viven o una infidelidad, o una obsesion sexual por el computador o lo que sea, siendo víctimas de sus propias inseguridades y deseos frustrados. Claro, la historia del pederasta probablemente se aleja de cualquier posible empatía, pero no es dificil sintonizar con su madre y su esfuerzo por lograr la felicidad de su desviado hijo.

A ratos el humor nos hace capaces de soportar tanto desagrado, pero en el último tercio de la película se ausenta totalmente y la sensación claustrofóbica se apodera de la sala, provocando que a ratos salgamos de la película para no sentirnos parte de ese submundo que vive en una restringida área de cada persona.

Aun cuando es una pieza coral, hay dos personajes anclas: Brad Adamson (Patrick Wilson) y Sarah Pierce (Kate Winslet), esposos olvidados que encuentran la felicidad en la compañía mutua mientras chaperonan a sus respectivos hijos. Les toma un tiempo pero eventualmente ceden a lo inevitable y se transforman en amantes (no es mas spoiler que lo que aparece en el poster). Sueñan con estar juntos, pero parece ser mas una fantasía que una esperanza en realidad. Los otros personajes oribtando como satelites alrededor al par principal incluyen a Kathy (Jennifer Connelly), la controladora esposa de Brad; Richard (Gregg Edelman), el pornopata esposo de Sarah; Ronnie McGorvey (Jackie Earle Haley), un pedófilo convicto; y Larry Hedges (Noah Emmerich) un ex policía convertido en vigilante.

No tengo claro si es la narración en off (que aporta gran parte del ingenio y humor a la cinta) o la multiplicidad de personajes con gran desarrollo individual lo que le da a la película una aire de libro narrado en imagenes, pero sin duda Todd Field logra nuevamente impactar con un relato simple y común de forma tan visceralmente desagradable, sin danrle ningun espacio de salvación a ninguno de sus protagonistas y sin grandilocuenciar ninguno de los dramas individuales, lo que finalmente mantiene al guion como algo altamente real y posible.

Uno podria pensar que Little Children ostenta a demasiado o que podría haber tenido un mejor foco, pero personalmente creo que, aun cuando cada uno de los personajes podría haber resultado una excelente opción para un largo por si solo, la gran gracia de Field es presentar un pedazo, cualquiera, de la comunidad (las amas de casa aburridas, los esposos desempleados, etc). La historia principal esta escrita para Sarah y Brad, pero los otros personajes tienen existencias independientes, lo que es raro más haya de los SIMS, y es lo que enriquece finalmente la película, sin hacerla amena ni simpatica. Todo lo contrario. Es por eso que eventualmente incluso se hace hasta larga y es que queremos salir corriendo de esa realidad por miedo a que el siguiente secreto ínitmo que muestren sea el nuestro.

The Number 23 - review

Muchos odian a Jim Carrey por su exceso de gesticulación, pero esos mismos jimcarreyfobicos no le han dado la oportunidad a su modo "actor serio", que ha arrojado papeles notables como Truman Burbank, Andy Kaufman y Joel Barish. NOTABLES.

Aqui el caballero nuevamente se enfrenta con un rol serio: Walter Sparrow, un tipo normal que por causa del destino termina deborando una novela sobre el número 23 y sus siniestras implicaciones en los más horribles actos de maldad humana (algo asi como que todas las tragedias de alguna manera se las arreglan para sumar 23: 9/11/2001: 9+11+2+1=23). El tema es que el tipo se obsesiona y siente que el numero lo persigue... so what? si yo descubriera que un numero se repite consistentemente en mi vida lo ocuparía en el casino, el kino y shao... o sea, la película falla enormemente en establecer al numero como un vínculo malebolo: uuuuuhhh el numero 23... uuuuuhh. Se me ocurren pocos personajes menos horripilantes que un numero ¿los cariñositos?

En fin, Carrey comienza a sentirse identificado con el protagonista de la novela y entra en la paranoia de que el libro esta basado en su propia vida viendo numeros 23 por todas partes, por lo que no puede confiar en nadie... ni en su propia esposa. Y eso. Esa es la peli. Tenia una buena idea de fondo, pero parece ser que el apellido Schumacher va a trascender más en las carreras de autos que en el cine, ya que La Revelacion (como fue traducida aqui) se une al legado de Batman & Robin y no al de las "buenas" pelis del director: Flatliners, The Client y A Time to Kill. Habrá que esperar a Town Creek para ver que direccion toma su erratica carrera fílmica.

Debo reconocer que estuve bien metido la mayor parte de la proyeccion, pero no fue algo que me tuviera al borde del asiento o comiendome las uñas de los pies. Cumple con entretener un rato, pero lo que me sorprendio es que al ratito se me olvidó y no me dio ni para googlear más datos freak del numero 23. Nuevamente la sinopsis le ganó a la película.

Ocean's Thirteen - review

A penas comenzaron los créditos se me escapó la frase: "es muy cool Soderbergh", para 20 minutos despues tragarmela por completo. La tercera parte de la franquicia Clonney/Pitt/Damon/Soderbergh es una cátedra de cómo hacer las cosas mal, algo así como un decálogo de cómo tomar un producto y sacarle todo el coolness (o mojo como diría Austin) destruyendo cualquier posibilidad de un Ocean's Fourteen.

Los dialogos son ñoños, la trama obvia, los personajes sin brillo y lo peor de todo: la estafa no tiene nada de "Gran"; quizas es por eso que esta vez no la tradujeron como La Gran Estafa y le pusieron el horrible nombre (pero ajustado) "Y Ahora son 13", ya que esa es la unica gracia de la película, al menos en el papel: un grito de Soderbergh autocomplaciendose de que logro meter a Al Pacino al equipo. Y eso es lo peor de todo, con tremendo elenco a cuestas se dieron el lujo de apurarse y no esperar a que el guion terminara de cocinarse.

Da lo mismo sobre de que va la historia, uno se sienta en el cine y espera ver una inteligente y elaborada estafa a cargo de personajes cargados de onda, pero que esta vez se ven tan comodos entre ellos que pareciera que no estuvieran actuando, sino que fuera una eterna y continua talla interna. Siento que Danny Ocean es mas George Clooney que Danny Ocean. Idem Rusty Ryan con Brad Pitt. De hecho, casi al cierre del capítulo Rusty le dice a Danny: "trata de no ganar tanto peso entre trabajos", en directa alusión a los kilos que tuvo que subir Clooney para hacer Syriana. A lo que Ocean responde: "Y tu estableceste y ten un par de hijos". ¿Clever? No.

El ingenio debería haber estado invertido en la inventiba para cargarse al casino de Pacino, y no en malos chistes sobre los actores. De ahi que el plan pareciera ser sacado del sombrero de un mago y no tenga nada de astucia: ok, para ahuyentar a los jugadores hagamos un simulacro de terremoto comprando por e-bay y trayendo a Las Vegas una de las 11 máquinas que se usaron para escarbar el tunel entre Inglaterra y Francia que solo cuestan 7 millones de dolares, más el envio (que si traer un dvd de Amazon cuesta aprox us$20 dolares por Lanbox saquen las calculadoras y multipliquenlo por una maquina de varias toneladas), luego metamosla debajo del Strip sin que nadie lo note y.... Pffff... me da hasta paja seguir pensando en las probabilidades de que esa haya sido una buena idea.

Mala, mala... MALA.

Die Hard 4.0 - review

Luego de 12 años de ausencia vuelve John McLane... pero esta vez convertido en Jack Bauer! ¿es que ahora este tipo va a ser el referente para todas las películas de accion? No pues! John McLane era un tipo ordinario en una situacion extraordinaria. O sea, un policía muy hábil y con muy mala cuea, que se desenvolvía en forma impecable en ambientes estrechos, arrastrandose a través de vidrios rotos entre ductos de ventilación para rescatar a su señora, que tenía aun peor suerte que él. Ese era el Duro de Matar que la rompió a fines de los ochenta.

Ahora, en su cuarta entrega, el tipo no solo esa más viejo sino que es un superheroe capaz de batirse frente a frente contra un jet militar y destruir un helicoptero con su auto a la vez que grita el obsoleto "Yippi-kay-ay Mother Fucker". ¿Pero funciona? Mmm... sí, siempre que te haya funcionado El Transportador 2, de lo contrario cae en el completo absurdo por tratarse de Bruce Willis. A Bauer se lo compro, a McLane no.

La historia va mas o menos asi: un cyberterrorista esta a punto de dejar la ecatombe (santa palabra Batman!) en todo EEUU, asi que a menos de que el gobierno se rinda a su pies y le pague una buena suma de dinero, Thomas Gabriel y su sexy compañera Mai Lihn (Maggie Q), sumiran al país más desarrollado del mundo en la edad media a través de sus computadores. Un caso ideal para Chloe O'Brian, pero no, en su lugar tenemos al tipo de los comerciales de Mac: Justin Long y al rudo John McLane paseando por toda la costa oriental de US. Lo que no se entiende es que si el objetivo de los tipos era robar plata, porque no lo hicieron y punto, en vez de meterse en atados como cortar el trafico, el agua y el gas de todo Manhattan... o sea, lo hicieron en 2 segundos con todos los ahorros de la vida de McLane. Pero claro, no habria pelicula.

Quizás el punto más debil estuvo en la selección del villano de turno, ya que Oliphant no llega (ni siquiera alcanza a divisar) la vara que sembró antes Rickman (I) y Irons (III). Es como una película de terror protagonizada por Bill Gates... Uuuuuh!! cuidado con el nerd malingo!

Dejando todo eso de lado, la película es entretenida y tiene escenas de acción realmente memorables y muy bien filmadas. La adrenalina no para desde la explosión inicial, pasando por batallas de pistolas, escenas de persecusión, choques de autos y más explosiones, que no parecen tan CGI como las ultimas películas del género: cuando McLane cae al pavimento, se siente. Cuando sangra, le crees. Y eso finalmente sí es Duro de Matar.

Parece que cambie de opinion a medida que fui escribiendo. Sorry por la bipolaridad. Ahora no se si me gustó o no. Juzguen ustedes.

Transformers - review

Me crie con los Transformers, He-Man y G.I. Joe, asi que el hecho de que hicieran una película de la primera -muy por el contrario a lo comun- no me gustaba para nada: tenía susto a que nuevamente Hollywood destruyera mis fantasías de pendejo. Asi que no le tenía mucha fe; de hecho me demoré bastante en ir a verla...

Pero desde el comienzo sentí esa familiaridad de que estaba viendo a un viejo amigo remozado, una agradable nostalgia. Pese a que la aparición de los míticos robots tarda bastante, enganché inmediatamente con la historia de Sam (Shia LaBouf); tanto asi que no eche de menos para nada a Optimus Prime y su pandilla en la primera media hora y me concentré en admirar a Megan Fox.

En realidad, pensandolo bien, ésta no es una película de Transformers, sino una película de humanos que incluyen Transformers; primero porque claramente hay mayor desarrollo de personajes en la línea de carne y hueso, y segundo porque los dialogos que recayeron en los robots están muy en la linea de la serie: cheesy one-liners.

Se podría decir perferctamente que es la historia de un joven y su auto, que resulta ser un robot, pero que está rodeada de otros miles de personajes, persecuciones y destrucción, que -por muy bien filmadas que estuvieran las escenas de accion- no fueron lo que más me llamaron la atención de la peli, no, fue el hecho de no tomar tan en serio el tema y dar buen espacio para el humor lo que me ganó, aun cuando los primeros "gags" de Bumblebee iban más en la linea de Herbie que de Transformers.

Pero no todo es leche y miel. Sí, me gustó el rol de Shia, pero la peli le deja poco espacio a los robots para desarrollar sus personajes (¿?), por lo que no se establece un vínculo emocional con ellos, aun cuando el principal personaje de los Transformers sea torturado, no logramos sentir esa union de hombre/maquina con su "dueño", ya que el guion disvaría y pierde demasiado tiempo agregando personajes que aportan su cuota de humor pero que no construyen en la película; y aqui cabe todo lo relativo al pentagono, sector 7, hackers y descifradores de codigos. Quizás le faltó aprender un poco de la simpleza de la clásica película animada con la voz de Vin Dissel: El Gigante de Acero.

Independiente a todo lo anterior, la pelicula me satisfizo; quizas porque tenía muy bajas expectativas, pero a fin de cuentas eso da lo mismo: me entretuve, me rei y la quiero ver de nuevo.

Sweeney Todd

Johnny Depp la lleva... sobre todo si va de la mano con Tim Burton, dupla de la cual han nacido clásicos instantaneos como Edward Scissorhands, Ed Wood, Sleepy Hollow, Charlie and the Chocolate Factory, Corpse Bride... y ahora Sweeney Todd, la peli basada en el exitoso musical de Broadway sobre el infame Benjamin Barker, a.k.a Sweeney Todd, que utiliza su barbería en Londres para siniestros fines.

El film cuenta además con la otra fetiche de Burton: Helena Bonham Carter (la ex novia cadaver de Depp) y a Borat! Se ve bien... (el afiche asemeja un poco a la casa del Joven Manos de Tieras, no?)

Disturbia - review

Muchos podrán decir que es una nueva version del clásico de Hitchcock Rear Window (La Ventana Indiscreta); de hecho el guion se escribió en 1990, pero el estudio que se lo adjudicó declinó la producción al escuchar sobre la producción de un remake protagonizado por un tetraplégico Christopher Reeve. Y bueno, de hecho se le parece mucho: un joven, bajo arresto domiciliario, se convence de que su vecino es un asesino en serie. Pero está tan bien dirigida y protagonizada que luego de unos minutos las similitudes se hacen irrelevantes. Hasta el final, cuando el duelo mental, la paranoia, se hacen evidentes y termina pareciéndose más a un Martes 13, cambiando violentamente de género.

Sin embargo, por recurrente que sea, la premisa escencial es atractiva: como una persona, atrapada en su casa, puede llenar el vacío de su existencia a través de experienciar voyeríticamente la vida de otros. Y es ahí donde el chico taquilla, Shia LaBeouf (presente en casi todos los blockbusters del último tiempo, incluido Indiana Jones IV), cumple un rol fundamental, con lineas graciosas y a la vez dignas de Hitchcock.

Todo parte en un comercial de Coca Cola, en el que Kale (LaBeouf) va de pesca con su padre para terminar en uno de los más viscerales y mejor filmados accidentes de auto, que convierten al primogénito en un alma en pena por la perdida de su padre, aun un año después del choque... dejándolo bajo arresto domiciliario por atacar a un profesor (que se lo tenía bien merecido). Asi que desde ahi, una tremenda casa en los suburbios, se transforma en un voyerista profesional: primero de su tremenda vecina (no por lo alta, precisamente), Sarah Roemer, luego, del tétrico David Morse que interpreta al creepy vecino Mr. Turner.

Como dice el tagline de la cinta, todo asesino tiene un vecino, asi que nos metemos en el juego de buscar a un potencial Ted Bundy en el patio del lado, solo por el hecho de que posee el mismo auto que se había descrito en los reportes policiales.

Lamentablemente para la cinta, no hay demasiada ambiguedad en la culpabilidad o inocencia de Morse, ya que su aproximación al papel (por muy Method Actor que sea) nos deja claro desde el inicio que su personaje anda por malos pasos, convirtiendo a la peli en una batalla de ingenio entre Turner y Kale, más que en una duda sobre la eventual paranoia creada por estar encerrado 3 meses en la misma pieza sin iTunes ni X-Box.

Sin embargo, la tensión se siente. Particularmente una escena que reune telefonos celulares y camaras de video hace comerse las uñas a cualquiera, sobre todo a los fanaticos de YouTube. Buena peli.

The Simpsons Movie - review

Los Simpsons son imbatibles... desde que se transformaron en la version animada de Married With Children, hace varios años ya, se han convertido en algo más que una serie: son una institución. Y como tal, tienen su lugar asegurado en la cultura pop a nivel mundial. O sea, no necesitan una película; por lo que el hecho de que actualmente haya una en cartelera está lejos de ser una treta marketera (de serlo, debería haber aparecido hace una década), sino un salto dirigido a los fans... a quienes, como yo, los usan de referentes más de una vez para explicar una situación. No, no como yo, ya que yo tuve la fortuna de tener a Homero Simpson de padre.

La película se siente bien desde el inicio... claro, muchos dirán que no es más que un capítulo de hora y media, y si fuera así ¿so what? Feliz pagaría la entrada por ver eso. Y la verdad es que tampoco es mucho más... es que como dije en la primera frase: los Simpsons son imbatibles, asi que no se puede esperar mucho más tampoco. Algo similar va a pasar con la película de 24; cada capítulo es una joya, por lo que llevar la joya a una versión de hora y media es un exitazo. Me rei, al igual que en TV, cada 30 segundos... la historia termina en un lugar muy diferente al que comienza, pero no tiene ningun sentido profundizar en la trama (que nunca ha sido relevante) ni en los chistes (que tienen que ser vistos), así que sólo me queda decir que esta película probablemente se convierta en un referente más de la cultura popular, como lo ha sido durante todo su tiempo de existencia.

Tiene que ser vista en cine, o sea, saquen sus morlacos y gastenlos en las entradas en lugar de la copia pirata, por una suma de factores: es una experiencia que probablemente no se repita, tiene otro gusto verla con audiencia, Homero se ve gigante, hay ciertos efectos y chistes que están hechos para el cine, y no para la casa, y un largo etcetera. Es notable ver como todos respondemos de manera distinta a los chistes y personajes, cada uno con su favorito; algunos de los mejores momentos recibieron merecidas reacciones histrionicas, otras lineas menores tenían solo a una o dos personas de todo el cine riendo (probablemente yo era uno de esos dos).

Chanchoaraña la lleva! No puedo esperar a volverla a ver.

Ah... la animación post creditos: ninguna gracia, es decir, los que no tienen paciencia para esperar a que terminen de aparecer los miles y miles de nombres, no se queden.

The Messengers - review

Cuando el horror de una película de horror se sustenta unica y exclusivamente en sonidos "imprevistos" y fuertes acompañados por imagenes que pasan subitamente por una porcion de la pantalla... algo esta mal. Además, cuando se termina convirtiendo en los Greatest Hits de las películas de terror, tomando "prestados" elementos de The Amityville Horror, The Birds, The Grudge, Poltergeist y muuuuchas otras, la cosa se pone peor. Y, finalmente, cuando los actores ofrecen interpretaciones que dejan ver claramente que no pueden creer que hayan aceptado la pega, se termina convirtiendo en un completo desastre. No, no un completo... Kristen Stewart es un verdadero aporte:

Next - review

Cada día me carga más Nicholas Cage, sobre todo ahora que le dio por hacerse brushing, asi que este comentario (como todos) puede estar totalmente teñido de un caso crónico de nicholascagefobia. Si, el tipo se lució en Adaptation y muchas otras... pero ya se le pasó la mano con eso de creerse superheroe desde que le salió bien el papel de Con Air.

En Next, Cage es un tipo con una habiliadad única: puede ver 2 minutos hacia el futuro todo lo que le vaya a pasar, lo que lo convierte en el candidato ideal del FBI para encontrar una bomba nuclear contrabandeada a Estados Unidos por un grupo terrorista ¿frances? Asi que, bajo el mando de Julian Moore, los federales desgastan todo su tiempo en capturar a Cage en lugar de buscar la bomba... yeah right. No pude evitar pensar en qué haría Jack Bauer. Ah, falta agregar que cuando esta con Jessica Biel es capaz de proyectarse más allá de dos minutos. Esa es la premisa de la peli, basada en una historia de Philip K. Dick, que, a diferencia de las otras, se entiende por lo menos.

El primer acto de la película es brillante, cuando Cage utiliza sus poderes para evadir a los Feds de maneras bastante bien desarrolladas; pero luego la película no le puede seguir la dinámica y termina convirtiendose en un cliche con brushing. El guion falla el juego de seguir sus propias reglas y termina siendo una inconsistencia tras otra, aun cuando es posible justificar los twist llegando al final, no parecen ser una buena idea.

Ademas, siempre quedan muchas cosas por explicar... pareciera que el corte final dejó escenas que profundizaban en la historia de los personajes... pero el hecho de que la película no alcance los 90 minutos es un indicativo de lo contrario. No es una pésima película; o sea, es "veible" pero la dirección que eligieron darle resulta en una notable insatisfaccion.

Perfume: The Story of a Murderer - review

Muy por el contrario a lo que vimos en Marie Antoinette, el Paris del siglo XVIII era un asco fuera de las cortes: pestilente a más no poder, lleno de hedores y muerte en las calles.

Perfume retrata habilmente con una bella fealdad el contexto en el que nace Jean-Baptiste Genouille, un tipo con una nariz superdotada, capaz de reconocer olores a kilometros de distancia y guiarse a ciegas por ellos. Genouille es al olor, lo que Funes el Memorioso era a la memoria... incluso llegando a parecerse sospechosamente a la clásica fábula de Borges. Bueno, luego de ese lapsus de snobismo literario, sigo: Es tal la obsesión del Super Nariz por los aromas (y su preservación) que termina convirtiendose en un asesino en serie de bellezas virginales cuyos olores deben guardarse para la posterioridad.

Ok, suena bien... y es que esta basado en un libro mega famoso, casi texto de estudio en las escuelas de publicidad, de Patrick Suskind. Pero la película se hace pesada de ver, a pesar de que está tecnincamente muy bien lograda (odio ese adjetivo, pero aplica), es un tanto monotona y no provoca emociones potentes. O sea, es dificil lograr empatía por el protagonista, pero tampoco repugna - a pesar de lo repugnante de sus acciones - lo que finalmente no termina moviendo fibras, ni siquiera los pelos de la nariz. Entiendo que es casi imposible hacer oler a la audiencia, pero hay cintas en las que casi se siente el aroma de la comida que preparan o la vegetacion que la compone, pero en esta, a pesar del titulo (al igual que el protagonista) no hay olor. Y sin olor, no hay pasion, es decir, no se nota un éxtasis tras cada "logro" olorifico. Curiosamente si sucede lo contrario, se retrara muy bien la pestilencia. Quizas sea más facil evocar el asco que el asombro.

Es una buena idea de historia, y la escena en la que Grenouille mezcla perfumes por primera vez para el maestro Baldini (Dustin Hoffman) en su laboratorio privado es seductora. Pero el plot pierde el 80% de su energía cuando el escenario se cambia de Paris a Grasse, donde nada, absolutamente nada puede disculpar la orgística y bizarra escena final en la plaza del pueblo. Quizás el que haya sido calificada por grandes directores que pusieron las manos en el guion como un libro "infilmable" debió servir de excusa al aleman Tom Tykwer (Run, Lola, Run) para desistir el intento. Aunque en una de esas podría haber funcionado en esas salas experimentales Aromarama donde alguna vez intentaron ponerle olores a las películas ¿Por que no? peor no podria haber sido.

Fantastic Four: Rise of the Silver Surfer - review

No se que conviene más, publicar mi opinion de la película habiéndola visto recién o con una semana de desface. El tema es que de haberlo hecho antes, ésta habría sido muy distinta a la actual... porque, queramoslo o no, el tiempo tiñe todo, incluso al cine. Para bien o para mal... pero en este caso, para mal.

El hecho más importante es que hasta se me olvidó esta película, incluso más rápido que Spiderman 3, siendo que ésta última es bastante más debil. ¿Por que? Evidentemente Los 4F nunca iba a ser una película trascendental, sobretodo luego de haber visto la primera, pero sí tiene mejorías consistentes, salvo un gran -GRAN- problema: no hay villano. Y claro, una película de superheroes sin villano es como una porno sin sexo. O sea, sí esta nuevamente el tipo de Nip Tuck, pero no hace de taaan malo y la gran amenaza es el Silver Surfer, a quien todos conocemos y sabemos que no es malo, asumiendo que en algun minuto se aclarará el mal entendido... lo que nos deja sin villano, solo conflictos internos entre los Fantasticos, que -no me malinterpreten- están bien... o sea, es divertido el hecho de que los 4F sean más faranduleros que Pinilla, se cosan parches de auspiciadores al uniforme y el matrimonio sea el evento más visto de la TV... pero igual necesitamos un malo, ya que al no haberlo la acción, de la que hay poca, es predecible y poco exitante: un veloz vuelo a través de los rascacielos de NYC y una persecución en un super Dodge (ese si que es placement!). Puedo estar equivocado, pero la acción es el componente central de una película basada en super poderes ¿no?

Bueno, sí, esta Galactus... pero los guionistas se la ingenieron para reducir a uno de los más omnipotentes y peligrosos villanos de todos los tiempos en una tormenta de nubes interplanetaria (al ser una fuerza cósmica sus acciones no pueden ser consideradas como malas en el contexto humano así como no se puede juzgar a un huracán). No tiene mucha presencia en la película, se mantiene fuera de vista y a ratos se nos olvida su existencia. Y cuando llega el momento de la gran revelacion, el efecto es bastante decepcionante. Demás que utilizar al personaje con su inmenso casco morado no habría funcionado de la mejor manera, pero...

En todo caso, en una epoca donde superheroes torturados como Spideman, Superman y Batman se beneficiariían máss de una larga psicoterapia, es casi refrescante ver una peli que no se tome nada en serio, sea livianamente tonta, sin definicion de personajes y capaz de reirse de ciertos clichés en medio de toneladas de efectos especiales. Pero defender a los 4F bajo la premisa de que no es pretenciosa es darle demasiada generocidad a la excusa.

Crank - dvd review

Aun no decido por que bando apostar: Blu Ray o HD-DVD... así que mientras sigo equipandome de devedés que probablemente tenga que volver a comprar en el nuevo formato (por ahora la balanza se inclina hacia el retoño de Toshiba... ¿que dicen?), como el caso de Crank, la película más cool que he visto en el último tiempo. Cool, cool, cool. Cool.

El plot va así: Chev Chelios (Jason Statham) amanece un día un poco mareado, luego de una golpiza, para enterarse que ha sido envenenado por una sustancia que le detendrá el corazón a menos que lo mantenga siempre sobre revolucionado. Thats it. De ahi en más: adrenalina pura, ya que junto a esta información va de pasadita una amenaza de muerte a sus cercanos, Amy Smart, más rica que nunca, por lo que debe buscar métodos para mantener su corazón bombeando frenéticamente: gritando, tragando red bulls, teniendo sexo en público, asesinando a sus asesinos y cosas así.

La historia es tan estúpida como suena, pero ¿a quien le importa? uno no va a ver Crank por sus dialogos incisivos o una trama inteligente. A medida que Chev necesita cada vez más adrenalina, la película se va convirtiendo en un videojuego al más puro estilo Grand Theft Auto mezclada con El Transportador (la 1, no como el bodrio de la 2) pero hecha en formato de video clip, cuyo resultado da un producto para los machos de la casa, o sea, solo para aquellas personas con testosterona y pelos en la axila: 85 minutos de pura acción, sin tiempo para detenerse en detalles como dialogos o desarrollo de personajes. A ratos es graciosa... y otros, MUY graciosa.

Claramente el estilo de dirección de los directores (Mark Neveldine & Brian Taylor) parece usar todas las técnicas disponibles: pantalla dividida, imagenes distorcionadas, tomas en primera persona, cámaras lentas, cámaras aceleradas, fotografías, representaciones animadas del corazon, subtitulos, y más. Pero increiblemente funciona. Y Statham is the man for the job.

Como la calificaron alguno críticos: "Crank es vulgar, ridicula y ofensiva". Sí ¿y?.

Pirates of the Caribbean: At World's End - review

Extrañamente, y como nunca me había pasado antes con una película, me sentí maduro. Fue una sensación bizarra y desagradable: a medida que la película avanzaba me sentía cada vez más adulto, o mejor dicho, mas aburrido. La cúspide fueron los cerca de 3 minutos que dormí en medio de cañonazos y duelos de espadas tipo Peter Pan. Esta bien, no soy un fan de esta saga... sí, encuentro divertido al Capitan Jack Sparrow e increiblemente bella a Elizabeth Swann (ojo, no rica), pero sería. O sea, yo soy de aquellos tipos que se dan por pagados con un par de dialogos de una línea de Depp y un buen tiempo en pantalla de Knightley. Pero bueno, como es una película infantil y no una porno ni un stand up comedy, ok, acepto que hayan piratas entremedio.

El problema es que los tipos de Disney se olvidaron de qué fue lo que convirtió a Los Piratas del Caribe en una de las sagas más lucrativas del ultimo tiempo: Jack Sparrow. Digo que se olvidaron porque en El Fin del Mundo Sparrow es casi un personaje secundario y, notablemente, sin el mismo carisma de antes. Sí, no hay nadie mejor que Depp para las tallas de una línea y la escena ezquisofrénica con cientos de Sparrows intentando mover la Perla Negra por el desierto está de lujo... Pero en total, Jack no debe tener más de 30 minutos en pantalla... de los 168 minutos que dura! y no aparece hasta la mencionada escena del limbo al minuto 38.

Hablando de minutos, cuando llega a la última hora finalmente termina entregando "lo bueno". Los últimos 60 minutos (aunque sigo pensando que fue demasiado) ofrecen aventuras tan potentes como en ninguna de sus 2 predecesoras. Desafortunadamente eso no complementa los otros 108 minutos de esta dispareja producción, que deja poco espacio al encanto de los personajes; hay momentos memorables, seguro, pero la sensación final es que la peli trata desesperadamente de realizar tantos giros de trama como le sea posible, por lo que se hace hasta dificil llevar la cuenta de quien está de que bando luego de constantes traiciones y dobletraiciones.

Retomando desde donde la dejara la segunda parte, la pareja y el Capitan Barbossa (Geoffrey Rush) comienzan un periplo para rescatar a Jack del Locker de Davy Jones, una mezcla entre el purgatorio y el infierno. Cada uno de los salvadores tiene una agenda oculta que justifica sus actos: Will Turner necesita la Perla Negra para salvar a su padre, Elizabeth siente culpa y Barbossa lo necesita para reunir al consejo de piratas y así enfrentarse a la East India Trading Co, con el villano de turno: Cutler Becket, quien además controla al Holandés Volador y su capitan Davy Jones.

Entrando a la Tierra de los Muertos, Barbossa dice que llegar ahi no es lo más difícil; "its getting back" (es volver). Diálogo que perfectamente le cabe al equipo de Jerry Bruckheimer, quienes descifraron el secreto para sacar riquezas de un parque de atracciones... es retornar a eso lo que no han logrado, pero que eventualmente volverán a intentar con Los Pirates del Caribe: La Fuente de la Vida.

Atencion: para los que vayan a verla al cine, no cometan el mismo error que yo: quedense hasta el final de los créditos a ver una escena que parece ser vale completamente la pena.

88 Minutes - dvd review

¿Que pasa si eres un psiquiatra forense y recibes una amenaza de muerte diciendo que morirás en 88 minutos? Nada. O sea, si eres el personaje de esa película, jamás te verás en pantalla grande. Ni aunque seas Al Pacino. Es que ya van tantas iguales! Y así tu película queda juntando polvo en alguna estantería hasta que deciden pasarla directamente a los videoclubs... claro, si eres un fan de Al vas a estar dispuesto a pagar el arriendo, pero no esperes encontrarte con el mismo tipo de Carlito's Way o El Padrino. Este es el Pacino de Simone... lo que aun no entiendo es cómo lo convencen para elegir estos roles.

Bueno, el thriller va en la onda de que nuestro Michael Corleone es el famoso psiquiatra forense Jack Gramm, quien presentó evidencia psicológica para inculpar a un asesino en serie que será ejecutado durante el día... pero de pronto recibe una llamada que le cagará el día (o sea, ni tanto, porque igual siguió dando clases como si el tiempo no pasara): le quedan 88 minutos de vida. Paranoia... ¿en quien confiar? es que un tipo tan, pero tan dedicado al trabajo no tiene amigos, mujeres ni familia, asi que comienza a sospechar de todos... menos del asesino. O sea, el personaje estudió 10 años con no imagino cuantos diplomados entre medio y no fue capaz de darse cuenta de algo que yo y mi hermano, dos humildes publicistas, notamos al toque. Y, claro, en una película donde la gracia está en descubrir al asesino, eso no es algo bueno. Para ser un experimentado profesor y psicólogo, Jack Gramm, es un tipo bruto. Bueno, no es un tipo bruto, solo esta escrito así, parafraseando a Jessica Rabit.

Entre las tonteras de la película esta el "creativo" modo de ir mostrando la cuenta regresiva de minutos, que aparecen en un proyector de diapos y luego en la maleta de su auto; el asesino no sólo parece ser omnipresente, sino impecable en el timing y la naturaleza de las acciones de Gramm quien no sólo notará estos elementos, sino que lo hará en el momento preciso.

Creo que esta película debió haber tenido mucho más sexo y desnudos, y habría funcionado increible en I-Sat o The Film Zone un sábado de trasnoche.

Shrek the Third - review

Independientemente a que me rei un par de veces (y no precisamente en las mismas partes que el resto de la audiencia), Shrek Tercero me pareció una película muy debajo del promedio de las otras dos... ¿Que pasa? ¿Es que todas las secuelas que se estrenen este año van a ser una mierda?

Si bien esta sigue todos -TODOS- los canónes de una fórmula que la convertirá en un exitazo de ventas a nivel mundial y en un must-see (ahorren comentario) para todos cuya edad no ascienda al territorio de los dos dígitos, la tercera entrega del ogro verde ofrece muy poco a los mayores. Algo que era cierto en las previas es que funcionaban perfectamente en diferentes niveles, haciéndolas atractivas para espectadores de distintas edades. Los papás podían disfrutar de la película mientras hacían de chaperones de sus retoños. Los adultos solteros podían ir sin sentirse avergonzados. Pero lamentablemente con esta ya no.

Pero tampoco es un completo desastre; tiene momentos. Pocos (personalmente conté 5): el personaje de Banderas (El Gato con Botas) funciona bastante mejor que en su predecesora...incluso dándole las mejores líneas al burro cuando se cambian de cuerpo. Además, una de las nuevas adiciones, el Mago Merlin con ezquisofrenía, está bastante aceptable, teniendo una de las mejores líneas de la película (en todo sentido). Pero, al igual que en Spider Man 3, Shrek sufre de sobrepoblación. No veo la necesidad en tener al Lobo Feroz, la Galleta de Jengibre, Los 3 Chanchitos, Los Ratones Ciegos, Pinoccio y todas las princesas habidas y por haber. Tengo la sospecha que algún gurú hollywoodense debe haber escrito un dogma para las secuelas de los últimos años: "usa tantos personajes como te lo permita el presupuesto". De ahi Spider Man 3, X-Men 3, Fast & The Furious 3... y ahora Shrek 3. De no ser por MI3, diría que todas las terceras partes del ultimo año están pifiadas. Veremos que pasa con Rush Hour 3, Ocean's Thirteen y The Bourne Ultimatum.

En esta edición vemos a Shrek molesto por la muerte de su suegro que le deja en herencia el reinado de Far Far Away e intentando eludir sus responsabilidades (entre ellas la paternidad) se embarca en la búsqueda del pariente más cercano para traspasarle el cacho: Justin Timberlake. Si bien la trama nunca fue lo relevante del espíritu de las Shreks, en una tercera entrega pasa tomar peso, ya que el modo de contarla está visto (2 veces), o sea, ya nos reimos lo suficiente imaginando este universo paralelo en el que están todos los personajes de cuentos infantiles... ¿y ahora que? Ahora es cuando la historia pasa a tener mayor peso que los personajes. Y no lo hace. La historia se siente como un pegado de cosas que ya hemos visto antes. En lugar de agregarle drama o tensión, la trama es una historia infantil de diccionario... y para una película que supuestamente se burla de ellas, es algo inaceptable. Por el lado del humor, se conforma con chistes simples dirigidos a niños de 5 años muy en la línea de Mr. Bean. Y ese no es Shrek... o al menos no era. Quizás, al igual que a tantos, el matrimonio lo cambió.

Queremos al viejo Shrek... al Shrek soltero!

Shutter - review

Hace varios post atrás dije que los orientales estaban locos, creo que cuando opiné sobre Old Boy. Mantengo esa aseveración: están locos. Y no lo digo por el hecho de que el Karaoke sea su deporte nacional, no, sino por lo que demuestras pensar cuando hacen sus películas. Shutter no es la excepción. Cuando el cine de terror norteamericano genera más risas que sustos, solo nos queda acudir a los orientales (y no solo nosotros... los mismos gringos que estan remakeando casi todas estas pelis, incluida Shutter).

Imaginense una peli con esta escena:

Tun: [Tun esta revelando fotos en la sala oscura cuando alguien entra y se para a su lado. El no mira]
Tun: Jane? Llegas temprano.
Tun: [El teléfono suena afuera, Tun sale a contestarlo] Alo?
Jane: Tun. Es Jane. Voy a llegar un poco mas tarde hoy.

Cool ¿no? Bueno, tampoco estoy diciendo que sea una gran película... pero salté más de mi asiento en 10 minutos que con toda la película de Hillary Swank - aun cuando la imagen de una china (tailandesa?) palida cuyo pelo largo le cubre completamente la cara y que se le aparece intermitentemente a un pobre tipo ya no debería erizar ningún pelo. Pero lo hace. Shutter toma el personaje del stock de Ringu y Dark Water, la mete en una atmosfera "creepy" y boom... saltamos.

Tun y Jane son una pareja feliz que un dia de juerga, mientras manejaban por una carretera oscura, Jane quita los ojos del camino y paf se dan contra una persona. Tun la convence de huir de la escena del crimen sin siquiera ir a chequear a la atropellada. De ahi en adelante son acechados por fantasmas que aparecen en fotografías. Thats it. Esa es la trama... pero lo que uno le pide a este género no son buenas historias, sino harta adrenalina... y se hace cargo. Esta bien, no es la película con la que mas me haya cagado de susto en el ultimo tiempo, de hecho logre dormir tranquilo luego de verla, pero logra varias veces esa risa vergonzosa despues de que quedaste pegado al techo, asi como diciendo "puta que soy weon, si era obvio que iba a salir el fantasma". Pero saltaste igual.

No se si esta peli pase por las salas (supongo que ya no pasó), pero Tartan Asian Extreme se las jugó con un excelente devedé... no tanto por los extras, sino por la calidad de audio (DTS 5.1) que en un buen home theater produce el efecto de sentir al fantasma respirandote en el hombro. Claro, los comentarios de los directores no son muy originales, pero cuando revelan que muchas de las fotos fantasmagóricas mostradas en el film son 100% reales, el susto vuelve.

Veremos que resulta el proximo año de la adaptación gringa con el gran Pacey Witter. El instinto me dice que el país del Raton Mickey la va a endulzar lo suficiente como para que no sea necesario fumarse un cigarro a la salida.